1 Ángel Ricardo Álvarez de Benito Sofía Alvarez Capuñay Carolina Alves Touron Rubén Arenal Martínez Edison Eduardo Cáceres Coro Manuel Ricardo Calderón Franco Rocío Cano Bevia Juan Doz Marta Galindo García María Gárgoles Navas Diego Armando Hernández Cuervo Marina Holguín Radigales Salvador Jiménez-Donaire Martínez David Llorente Sanz Antonio José López Espinosa Antonio José López Fernández Silvia Carmen López Rebollo Cristina Marote Martín Hamilton Eder Mestizo Reyes Idoia Ortega Rodríguez Pedro Palleiro Sánchez René Roosvelth Peña Salazar Juan José Posada Jiménez María Rivera Moreno Julia Sánchez Barba David San Francisco Reyes Irene Sanz Ortiz Javier Mauricio Vanegas Torres 2 3 Ahora, la parte de la intuición Investigación, arte y creación, 2018 Exposición del Máster en Investigación en Arte y Creación de la UCM 25 de septiembre al 10 de octubre de 2018 Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. C / Pintor el Greco 2, Ciudad Universitaria. 28040 Madrid. 4 Exposición: “Ahora, la parte de la intuición. Investigación, Arte y Creación 2018” Del 25 de septiembre al 10 de octubre de 2018. Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. C / Pintor el Greco 2, Ciudad Universitaria. 28040 Madrid. Organiza: Máster en Investigación en Arte y Creación, MIAC / Vicedecanato de Cultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid Exponen: Ángel Ricardo Álvarez de Benito, Sofía Álvarez Capuñay, Carolina Alves Touron, Rubén Arenal Martínez, Edison Eduardo Cáceres Coro, Manuel Ricardo Calderón Franco, Rocío Cano Bevia, Juan Doz, Marta Galindo García, María Gárgoles Navas, Diego Armando Hernández Cuervo, Marina Holguín Radigales, Salvador Jiménez-Donaire Martínez, David Llorente Sanz, Antonio José López Espinosa, Antonio José López Fernández, Silvia Carmen López Rebollo, Cristina Marote Martín, Hamilton Eder Mestizo Reyes, Idoia Ortega Rodríguez, Pedro Palleiro Sánchez, René Roosvelth Peña Salazar, Juan José Posada Jiménez, María Rivera Moreno, Julia Sánchez Barba, David San Francisco Reyes, Irene Sanz Ortiz, Javier Mauricio Vanegas Torres. Comisariado, Introducción y Proyecto editorial: Javier Mañero Rodicio Fotografía de las obras y textos asociados: Los respectivos artistas. Proyecto gráfico y Fotografía de sala: Rodrigo Flechoso Fernández Edita: Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. Madrid 2018. ISBN-13: 978-84-09-09657-2 Bajo una licencia de Creative Commons: Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada. 5 Artistas: Ángel Ricardo Álvarez de Benito Sofía Álvarez Capuñay Carolina Alves Touron Rubén Arenal Martínez Edison Eduardo Cáceres Coro Manuel Ricardo Calderón Franco Rocío Cano Bevia Juan Doz Marta Galindo García María Gárgoles Navas Diego Armando Hernández Cuervo Marina Holguín Radigales Salvador Jiménez-Donaire Martínez David Llorente Sanz Antonio José López Espinosa Antonio José López Fernández Silvia Carmen López Rebollo Cristina Marote Martín Hamilton Eder Mestizo Reyes Idoia Ortega Rodríguez Pedro Palleiro Sánchez René Roosvelth Peña Salazar Juan José Posada Jiménez María Rivera Moreno Julia Sánchez Barba David San Francisco Reyes Irene Sanz Ortiz Javier Mauricio Vanegas Torres 18 40 38 36 34 32 28 26 24 22 20 42 62 60 58 56 54 52 50 48 46 44 72 70 68 66 64 74 Ahora, la parte de la intuición 7 6 7 Con esta exposición, quienes formamos parte del Máster en investiga- ción Arte y Creación -MIAC para los amigos- y especialmente sus estu- diantes, concluimos un curso intenso. Como siempre, al mismo tiempo y en la misma clave en que se desplegaban los conceptos y se escribía sobre ellos, se producía obra artística. Esto, que desde el entorno de Bellas Artes parece muy natural, no deja de ser bastante infrecuente, y no solo en el panorama de los estudios universitarios de posgrado, sino de la investigación en arte en general. Que un trabajo de investi- gación de formato y metodología acabadamente académicos, validado por su contenido cultural y en sus aspectos tanto discursivos como formales, se presente en relación a un dispositivo propiamente artístico perfectamente definido en términos profesionales, es extraordinario. Es, precisamente, lo que distingue y aporta el MIAC: una relación simbiótica entre el momento discursivo y el momento de creación, la parte de la intuición. Ahora, la parte de la intuición Investigación, arte y creación, 2018 Javier Mañero Rodicio 8 Claro que la intuición forma parte de cualquier proceso inves- tigador, pero aquí es la parte prioritaria, aquella cualidad de la actividad artística que la hace irreductible al punto de partida -al referente visual, literario, social que la motiva-, procurando su propio desarrollo distinto y transgresor respecto a lo verbal, proponiendo así nuevas condiciones de lo sensible. Las obras que a continuación se presentan son sobre todo un encuentro privilegiado entre las prácticas y las reflexiones. El resultado de un esfuerzo notable por dotar a algo a veces tan inasible como el trabajo artístico de unos contextos identificables, de un razonamiento sobre su constitución simbólica. Y es necesario destacar esto porque subyace al sentido y oportunidad de esta exposición, pero no, desde luego, porque tengamos ante ninguna de estas obras y propuestas ne- cesidad de conocer tal aporte teórico; por fundamental que pueda haber sido para el artista e incluso para la propia configuración de la obra. Lo presente en esta exposición y catálogo no supone, pues, una ilustración del importante despliegue teórico desarrollado a lo largo de muchas asignaturas y especialmente del trabajo investigador final de este más- ter, sino que es más bien su imagen especular y la acción inapelable del mismo. El texte que da sentido y, en realidad, acoge al texto académico. Hay otro aspecto que vale la pena resaltar tras recorrer el con- junto expuesto por los 22 artistas presentes en Ahora, la parte de la in- tuición -además de los que hicieron pública su investigación artística en junio y solo están ahora presentes mediante este catálogo. La absoluta libertad de planteamientos y medios artísticos con que las producciones surgidas desde el MIAC se presentan. Una exposición surgida del Más- ter en Investigación en Arte y Creación solo puede plantearse a partir de la diversidad de formas y de formalizaciones con que la práctica artís- tica se presenta hoy. Tantos lenguajes, materiales y medios artísticos 9 10 al servicio de tantas propuestas entre lo introspectivo y lo contextual, reflejan la realidad libre de un entorno creativo abierto; tal y como nos gusta pensar a todos que debe ser este proyecto formativo. Esta diversidad refleja sin más un tiempo actual caracterizado por la eclosión de prácticas y la validación de la diferencia. Difference que no solo se puede pensar en relación a lo instituido y en concreto a las prácticas artísticas tildadas de obsoletas, sino también al aparato crítico dominante del arte actual y sus hábitos excluyentes. Esto es algo grato especialmente a los jóvenes artistas que deciden en cada ocasión qué está obsoleto y qué les sirve aún, reparando nuevamente en for- mulaciones no tenidas por contemporáneas; en ocasiones con ingenui- dad –esa antigua condición del héroe-, otras como sampler reubicable y posproductivo. Así que, presenciamos una riqueza diversa en las propuestas. Por ejemplo, en las asentadas en la pintura. Entre las contundentes composiciones de identidad ortogonal y colores saturados generadas desde la posfotografía por Pedro Palleiro y la meditativa, al tiempo que gestual, pintura de David San Francisco, hay una misma necesidad neomoderna de repensar la abstracción, sin por ello evitar contami- naciones del presente. Aquella inevitable idealidad de la abstracción, que no la pintura, desaparece ante la posmoderna maraña icónica de la imagen web repensada y pintada desapasionadamente, con distan- cia, por Marta Galindo. Y desaparece igualmente, aunque no la cocina poética, si pensamos ahora en las apropiaciones figurales de Diego Armando Hernández y ese realismo mágico que desprende su imagi- nario pintado sobre papel y contrastado con objetos. El paisaje tiene también su presencia y junto a él, el cuidado ecológico en propuestas como la de Irene Sanz respecto a los mate- riales de la propia creación artística. Una sensibilidad compartida por 11 Silvia C. López con sus paisajes efímeros sobre arpillera, pinturas a través de las cuales crece hierba, trayendo así su activismo ecologista a una actividad pictórico-procesual. Un interés por el paisaje sin cuya matriz pictórica y estética no se entiende tampoco la visión cenital del territorio y su atractiva recreación tecnológica en las impresiones 2 y 3D de María Gárgoles. Lo pictórico, sin embargo, queda lejos ya en los paisajes-ficción, de producción completamente mediada entre lo digital y lo fotográfico, concebidos por Idoia Ortega, su extraña verosimilitud es un guiño irónico de distanciamiento que regatea cualquier sublimación. Diversas también las muchas obras dibujadas presentes. El dibujar de Salvador Jiménez niega en su ordenada parsimonia nuevas imágenes al consumo acelerado, un elogio de la lentitud que se sitúa solo formalmente en oposición a las informes acumulaciones precons- cientes desplegadas en los grabados de Ángel de Benito. El dibujo hoy es un lugar de hibridaciones. Así, la participación interactiva -con un ratón por interface- requerida por Juan Doz para la formación de hip- nóticos fractales caleidoscópicos proyectados. Híbridas son igualmente las cianotipias de Marina Holguín que entrega esta elemental técnica fotográfica a la experiencia leve del dibujo con su presencia a punto de desaparecer. La misma levedad fantasmal de los objetos abandonados replicados con su representación que propone María Rivera o la ad- quirida por las labores populares de gachillo reproducidas e instaladas delicadamente por Rocío Cano. Tres artistas marcadas en estas obras por la experiencia diversa de lo rural y la tradición oral. Este es también el espacio mental ocupado por la deriva antropo-paisajística de Anto- nio José López Fernández por tierras de trashumancia recogidas en un emotivo trabajo videográfico. Miradas en el margen, otros paisajes; terceros paisajes. Terceras fotografías, podría análogamente decirse de las desa- 12 pariciones en proceso -¡hasta de la imagen del difunto!- cuando Javier Vanegas registra los medallones fotográficos abrasados por el sol de las lápidas de la Almudena. No tan distintos de los de otras latitudes igualmente registrados por el artista: Omnia mors aequat. Un nuevo barroco que en la exposición replican los espacios desorientados de Manuel Ricardo Calderón, entre la mente borgiana y el laberinto creten- se de Ovidio, aquella mansión múltiple, aquella morada sin salida. Una tensión en definitiva existencial. Como la del Sísifo traído por Camus –permanencia del mito- que hace explícita Juan José Posada con los trabajadores-performers que contrata para derribar monumentos, reafirmando con ello el ne travaillez jamais. Por el contrario, y en per- fecta oposición a ese trabajar instituido como condena, Rubén Arenal lo propone como aspiración fracasada que se manifiesta en sus imágenes de ruinas de proyectos industriosos y humanos, de un mundo de expec- tativas rotas. Estas preocupaciones enraizadas en lo social hallan eco de un modo muy explícito en el estudio de René Roosvelth Peña sobre la in- migración y su presencia enriquecedora a través de la gastronomía, que ilustra con un alegórico desembarco de flyers en Madrid. Con otros re- gistros más trasversales, recorriendo territorios antropológicos y esté- ticos, de género e identitarios, Sofía Álvarez Capuñay recrea performa- tivamente, documenta y revindica un cierto arte tradicional ornamental del cabello, todo sentido y ritualidades. El conflicto, por su parte, como tensión que destruye pero que también construye lo social, determina la mesa de trabajo dispuesta por Julia Sánchez con fotolibros y otras elaboraciones derivadas de un legajo encontrado alusivo a la memoria histórica europea. Sin esta carga política pero sí con la misma añoranza por lo editorial y los dispositivos gráficos analógicos -como los tipos móviles-, Cristina Marote confecciona sus libros de artista de marcada 13 presencia objetual e intención poética. Queda para concluir, la sinergia entre escultura y tecnología con que se presentan algunas obras. Pero antes de entrar en ella hay que fijarse en la opción puramente escultórica de la instalación de fragmen- tos corporales -blanco yeso, oro y transparencia- con la que Antonio José López Espinosa sacraliza su espacio, aludiendo al mismo tiem- po a la fragilidad y a la fortaleza del cuerpo. Junto a él, Carolina Alves dispone un busto autorretrato -de nuevo el blanco receptivo del yeso moldeado- que recibe la proyección audiovisual del rostro de la propia 14 artista y otros motivos, creando una fantasmagoría vitalista de tonalida- des punk. David Llorente ahonda en la sinergia indicada. Sus esculturas basadas en números irracionales, de un impoluto y frio lacado indus- trial, contrastan en términos paradójicos, con unos cálidos dibujos de carboncillo hechos, sin embargo, a máquina. Ideas y materiales. Vir- tualidad y materiales también en la cacharrería electrónica de software y hardware en código abierto de Hamilton Eder Mestizo, tecnologías sorprendentemente asociadas a formas y materias tradicionales como la cerámica, pero sobre todo a la cultura del Do it Yourself. Nada lejos de estos ámbitos, y aunque ajeno a una idea objetual de la escultura, Edi- son Cáceres propone espacios sonoros mediante dispositivos electróni- cos experimentales, generadores de experiencias espaciales de sonido e imagen; ver sonidos, tal vez oír imágenes. Se inició este recorrido hablando de la diversidad de plantea- mientos artísticos presentes en la muestra, como manifestación del carácter multidisciplinar del MIAC y del propio mundo del arte actual. Queda esto reflejado en estas breves descripciones de sus trabajos, pero hay otros factores que contribuyen poderosamente a tanta ampli- tud y que no pueden dejar de señalarse. Pues sobre una diversidad pro- pia de los tiempos, también hay aquí una diversidad riquísima derivada de la procedencia de tantos lugares distantes, de edades, formaciones y aspiraciones profesionales tan distintas entre los artistas presentes; alumnos/as o ya alumni del MIAC. Un fiel reflejo de la riqueza con que cuenta en sus estudiantes este máster. Desde mi responsabilidad de coordinador del Máster en Investigación en Arte y Creación, así como del comisariado de esta exposición, solo puedo agradecer haber tenido la oportunidad de gestionar para esta ocasión tanto esfuerzo y talento. 15 16 17 Relación de artistas 18 Ángel Ricardo Álvarez de Benito Estas obras están planteadas como una exploración de la hibridación de medios desde un planteamiento post-digital. El propósito de esta indagación es ahondar en los aspectos subjetivos que tienen que ver con el proceso del dibujo desde el punto de vista de su crea- ción y producción; la observación, la percepción, la memoria, el gesto y la huella. El uso de los medios y recursos digitales como referencia y como herramientas de producción (web, fotografía digital, imagen cinematográfica congelada (snapshot), escáner, etc.), coexisten con el uso de los medios físicos tradicionales del dibujo y de la estampación. Comenzó su formación académica en la Academia Peña de Madrid y Taller del Prado, Becado en los cursos Cátedra extraordinaria ciudad de Albacete con Antonio López, Albacete 2013 y Curso de Realismo y figuración con Antonio López y Andrés García Ibáñez, Olula del Río 2014. Se ha formado en cursos con artistas nacionales e internacionales como: Paloma Peláez, Miguel Coronado, Alex Kanevsky, Stuart Shils, Sangram Majumdar, Nicolas Uribe y Benjamin Björklund. Actualmente está terminando los estudios del Master MIAC de la UCM. Ha participado en exposiciones colectivas en Madrid y otras ciudades españolas y recientemente ha recibido el premio Four Seasons en el apartado de fotografía. Es editor de la revista digital www.theartdigger dedicada a análisis y crítica de arte y ha organizado talleres con artistas nacionales e internacionales en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la UCM. Contacto:aalvarezdebenito@gmail.com LMS // BM BM (2018) Plumilla tinta china sobre Mylar, escáner, intervención digital, impresión en papel Photorag 45 × 76 cm LMS (2018) Lápiz grafito acuarelable, escáner, intervención digital, estampación en papel con plancha de fotopolímero 45 × 76 cm 19 20 Sofía Álvarez Capuñay El cabello es parte de nuestro cuerpo. Es un elemento que se encuentra dentro y fuera de él, está encarnado a nosotros. Su maleabilidad permite que lo tengamos y lo podamos usar de distintas formas. Al ser una parte cambiante y visible del cuerpo, puede suge- rir, género, edad, lugar de procedencia, costumbres, forma de pensar, etc. En el caso de mujeres, se le atribuye más importancia porque es un elemento que está relacionado con la feminidad, la sensualidad y la estética. Forma parte importante de la construcción de la identidad femenina. Tocarlo y manipularlo es un acto de intimidad. Sofía Álvarez Capuñay (Lima, 1989) Artista peruana. Actualmente estudia el Máster en Investigación y Creación Artística de la Universidad Complutense de Madrid. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima, Perú y llevó asignaturas de Historia del Arte en la Universidad de Salamanca, España. Además, ha llevado talleres de fotografía en el Centro de la Imagen, Lima. Trabajó por tres años como fotógrafa e investigadora fotográfica en el diario El Comercio. Desde el 2014 al 2017 se dedicó a la docencia en la Facultad de Comunicaciones de la Universidad de Lima y en la de Comunicación y Periodismo de la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), enseñando asignaturas de fotografía y vídeo. En el 2015 ganó el concurso fotográfico internacional “Forest and people” de la FAO / ONU que la llevó al XVII Congreso Forestal Mundial en Sudáfrica y en el 2013 el concurso “Metro Photo Challenge” de Publimetro. Ha participado en exposiciones colectivas: Con la serie “Después de la primavera” en San Millán en la Cogolloa, La Rioja, 2018; con la serie “Tengo que sacarme esto de encima” en la Sala de Arte Moderno de Lima, 2017; “XX: Ser mujer y hacer arte” en la galería Seres en Asia, Lima, 2017; “Amalamar” en la gale- ría de la “Casa Ronald” en Monumental Callao, Lima, 2016; en la presentación del proyecto de la ONG “Construye Identidad” en Lima, 2016; y en la expo/arte “God In Colours” en Miraflores, 2015. RUTINA DIARIA // ENTRAMADAS ENTRAMADAS (2018) Fotografía digital 28 × 42 cm RUTINA DIARIA (2018) Video performance Duración 14” 31 21 22 Devisse (Carolina Alves Tourón) Élan Vital es un término filosófico del Vitalismo Europeo del siglo XVIII, en contraposición con el mecanicismo de la ciencia moderna, sostiene que los organismos vivos se dis- tinguen de los objetos inertes porque poseen fuerza vital, que no es ni física, ni química y que se identifica como el espíritu del que hablan muchas religiones. La muerte sería la separación de este impulso vital del cuerpo material, teoría afirmada por el médico Théophile de Bordeu, el filósofo Friedrich Nietzsche y José Ortega y Gasset. Esta energía intangible representada en el hinduismo por una serpiente, es la energía que expande nuestra consciencia, y la emanación de nuestra infinidad. Carolina Alves Touron. Mi afición por la música, el cine y la escritura me ha conducido a producir nueve temas musicales junto a Javier Losada, teclista oficial de Tino Casal, presentar un proyecto cinematográfico en el Mercado de Coproducción de la Berlinale, con Madrid Film Commission, y recientemente a publicar una novela de humor titulada “Superdetectives a lo Loco”, basada en un guion de cine. Una fascinante historia que promete ser llevada a la gran pantalla. En la Facultad de Bellas Artes expresé mi afinidad con la escultura consiguiendo el primer Premio Deméter, y el gusto por la dirección artística y audiovisual que se expone en forma de documental en la página web de la Facultad de Bellas Artes UCM, en el departamento de Escultura, titulado “Seminario de Raku”. Estas aficiones se han combinado para dar lugar a la instalación que presento en esta exposición y su video clip en el mercado musical. THE CALL OF THE SANKE INSTALATION (2018) Mapping. Instalación (proyección sobre escultura) 40 × 45 cm THE CALL OF THE SNAKE. INSTALLATION 23 24 Rubén Arenal Martínez Una serie de 6 fotografías de elementos construidos con esperanza de prosperidad, pero que finalmente han sido abandonados, dejando el rastro de las ilusiones y el esfuerzo de muchas personas. Esta obra hace referencia a las pequeñas historias y batallas que su- ceden en nuestra época, en un pasado no muy lejano, y que solo persisten sus ruinas en clave de monumento. Este proyecto está apoyado teóricamente con el TFM: En los már- genes del monumento: Prácticas artísticas contemporáneas en relación con el concepto de ruina. Rubén Arenal Martínez (Leganés, Madrid, 1992) Realizó los estudios de Grado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (2012/2016), Master en Diseño Gráfico en la escuela Aula Creativa en Madrid (2016/2017) y actualmente estudia Master de Investigación de Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid (2017/2018). Interesado en el arte y en la producción artística, teniendo como génesis el paisaje, evolucionando a través de la composición y el concepto. MICRORRELATOS MICRORRELATO 1 (2018) Fotografía digital 18 × 13 cm MICRORRELATO 3 (2018) Fotografía digital 18 × 13 cm 25 26 Edison Eduardo Cáceres Coro Se trata de la relación entre el sonido y la imagen, de la generación del movimiento visual a partir del dispositivo electrónico como interfaz de la pared. Se especula con el concepto de arquitectura sónica e imagina posibilidades sensorias espaciales. El ejercicio construye una imagen despreocupada basada en una economía y simplificación formal, es lo que se dispone en el espacio que busca alterar sentidos en el que lo experimenta. Edison Cáceres Coro. Reside y trabaja entre Quito y Zúrich. Ha desarrollado estudios de arte en universidades de España y Ecuador. Desde 2011 alterna su trabajo como artista y la coordinación del proyecto La Multinacional, espacio de arte en ecuador donde realiza curadurías, talleres, laboratorios, Gestiona el festival de arte acción en Quito, “Hélice”. Expone de manera activa y es seleccionado e invitado a festivales y residencias de arte acción en espacios autó- nomos e institucionales donde propone acciones, talleres y conversatorios de su trabajo en esta práctica. 2016 residencia en Plataformance Sao Paulo y en casa Perpendicular Belo Horizonte, Brasil. 2015 FAAC festival de arte Acción Cuenca, Ecuador. Anacrónica, residencia en Buenos Aires, Argentina. 2013 IV encuentro de performance por la vida paisaje y acciones Colombia. 2011 Residencia de performance en formato summer camp en Valparaíso, Chile. Inserta su obra individual en curadurías autorales que han reflexionado sobre diversos tópicos: 2016 Vocación de fracaso. 2015 Emplazamiento tierra, Dando la cara autorretrato-autorepresentación. 2014 AD- HOC, Cero punto raya. Cuerpo a Cuerpo 2011 y 2012. Contacto: edisoncacerescoro.wordpress.com; lamultinacional.org VEO UN SONIDO EN MI CABEZA PERO NO SÉ QUÉ ES VEO UN SONIDO EN MI CABEZA PERO NO SÉ QUÉ ES (2018) Instalación Audiovisual, Sensores de contacto, motores, arduino, processing. Dimensiones variables 27 28 Manuel Ricardo Calderón Franco La Caja rodante es una estructura de madera, cuyo principio es un cubo con aristas de un metro de longitud, abierto por una cara. En dos de las caras de este cubo se han creado dos superficies circulares, de tal forma que este cubo queda inserto en una gran rueda. La estabilidad implícita en la figura del cubo, es ahora fácilmente desplazable, su equilibrio es vulnerable ya que su peso recae en una pequeñísima área de la circunferencia de la rueda. Esta estructura se realizó con el fin de lograr un vídeo en el cual un sujeto adentro de esta caja, ya incómodo por las limitadas proporciones de esta, chocara constantemen- te contra sus vértices en un gesto de desconocimiento de lo que sucede al exterior de la caja. La caja rueda mientras la cámara, mediante un soporte, se mantiene fija a su eje de rotación y alineada con el centro de ambas figuras, apuntando a la intersección de las dia- gonales del cuadrado, que a la vez él es centro del círculo. Mientras la cámara gira junto a la caja, encuadra y fija la cara abierta del cubo. El resultado, es un video donde no se perci- be la rotación del cubo, únicamente se intuye a través del cuerpo que habita aquella caja, pues sus desplazamientos absurdos no corresponden a la presunta gravedad de la caja. El sujeto se desplaza por el espacio, no sólo en su base sino en cualquiera de las caras del volumen regular; la pantalla, acostumbrada a la horizontalidad dada por la ubicación de nuestros ojos y su observación panorámica, pierde el sentido de ubicación, su base estará en cualquier extremo. La caja y la pantalla ya no poseen una orientación específica, la seguridad fruto de habitar una caja estable se desvanece, la orientación no tiene sentido sin su base. CAJA RODANTE . CAJA RODANTE (2018) Ensamblaje con paneles de madera, más vídeo digital. 170 cm de diámetro × 100 cm de profundidad. 20 min de vídeo, Resolución 1080 × 1080 píxeles. Manuel Ricardo Calderón Franco ha sido beneficiario de una Beca de posgrado de la Fundación Carolina. 29 30 Manuel Ricardo Calderón Franco, (Bogotá, 1985) Formación educativa: 2018 Master en Investigación en Arte y Creación, UCM; 2009 Grado en Artes Plásticas, Univer- sidad Nacional de Colombia. Exposiciones individuales: 2017- La caja vacía, Galería El Museo, Bogotá; 2016- Entre máquinas de dibujar, Galería Fernando Pradilla, Madrid; 2014- Mecánicamente, Galería El Museo, Bogotá; 2010- Proyecto Horizonte, Galería Doce cero cero. Bogotá. Exposiciones colectivas (selección últimos años): 2017 -Hágase la luz, Fundación ArtNexus, Bogotá; -ArtBo, Feria de Arte de Bogotá, Galería El museo, Bogotá; -Lenguajes en Papel, Galería Fernando Pradilla. Madrid; 2016 - Festival PASSE / IMPASSE, Blue Project Foundation, Barcelona; -SP Arte, Feria de Arte contemporáneo, Galería El Museo, San Pablo; -ARCO, Feria de Arte de Madrid, Galería El museo, Madrid; 2015 -4ta Trienal Poligráfica de San Juan, América Latina y el caribe, Puerto Rico; -ArtBo, Feria de Arte de Bogotá, Galería El museo, Bogotá; -ARCO, Feria de Arte de Madrid, Proyecto Invitado para ArcoColombia, con Galería El museo, Madrid; - Territorios Encon- trados, Miradas plásticas del Arte Colombiano. Galería Fernando Pradilla, Madrid; 2014 -ArtBo , Feria de Arte de Bogotá, Galería El museo, Bogotá; -Lenguajes en Papel, Galería el Museo. Bogotá Distinciones: 2015 - Beca de la Fundación Carolina para estudios de Posgrado; 2012 - Premio de Adquisición, Latin America Art Award EFG Bank y ArtNexus, Art Basel Miami; 2011 - Mención, V Salón de Arte Bidimensional, Funda- ción Gilberto Alzate Avendaño. Contacto: mannoc@gmail.com Monolito Inconmensurable es un escenario ilógico, una construcción geométrica enmarcada en la silueta de una caja, y aunque esta figura sugiere un volumen, la sencilla construcción en su interior no corresponde con su forma. Una simple trama de líneas rectas da la apariencia de los comunes muros de ladrillos de cualquier edificación. Unas pocas referencias de esta geometría son suficientes para conseguir el dibujo de una escalera que, sugiriendo tridimensionalidad, aprovecha nuestro entendimiento plano de los volú- menes para subvertir la orientación, tal como los conocidos diseños de figuras imposibles. La escalera se hace ambigua, dos personajes la recorren en sentidos opuestos y se podría prever que se encontrarán en algún punto de su recorrido, no obstante, aunque los dos sujetos suben por las escaleras uno de los dos se encuentra de cabeza. El dibujo sólo posee orientación vertical, por lo que cualquiera de sus dos extremos horizontales podría ser el borde inferior, entonces cualquiera de los dos sujetos que pasean sobre la escale- ra podría estar de cabeza. Este monolito de carbón con forma de bloque rectangular es la pieza fundamental para construir otros espacios, tal como un ladrillo ¬con su forma de caja es la unidad fundamental con la que se construye una caja de mayores dimensiones. Este monolito es una pieza bidimensional que adquiere dimensiones ex- tra en el vídeo. En este, su interior rectilíneo parece desplazarse y agrandarse manteniendo la misma silueta al exterior, adentro el espacio resulta más profundo e incoherente, sus formas básicas se multiplican y se recombinan creando un escenario de mayor complejidad, de la misma manera los personajes que recorren la escalera, se multiplican en secuencias innumerables de hombres que deambulan, con movimientos previsibles, por un escenario que fluctúa entre la imposibilidad y el laberinto. MONOLITO INCONMESURABLE MONOLITO INCONMESURABLE (2018) Dibujo con polvo de carbón mineral sobre papel y animación digital. 160 × 104 cm. Aproximadamente 15 min en bucle. Resolución 1920 × 1080 píxeles 31 32 Rocío Cano Bevia Sobre la mesa. Todos diferentes e irrepetibles, tanto juntos como separados, a veces visibles y otras escondidos, pulidos o colmados de polvo, comprados o regalados, here- dados u olvidados, sencillos y complejos, desordenados o alineados, exóticos o tradicio- nales, grandes y pequeños detalles, elementos posados sobre un limbo que los ata para recuperar la magia depositada sobre puntos sutura, que convertidos en talismanes, son el horizonte más terrenal posible que alcanzan los sentimientos más inciertos, las creen- cias ocultas y el comportamiento más humano, el ¡por favor! a un presente cosido en la protección de lo seguro, el hogar. De fuera hacía dentro. Sin opciones queda aquélla cortina que ya no cubre el sol al entrar por la ventana, sol que ya no da vida a cada rincón adornado, visillo que atrapa el silencio que ha dejado el tiempo. Paraguas que pierden la mano que los sostienen, hilos que pesan en un montón de escombros, restos de altares abandonados que han alejado de mi aquello que realmente soy, un reflejo ha salido por la puerta y sombras vienen a buscarme cada día, tengo miedo de perderme entre tanto polvo abandonado. Escribe: El objeto. Rocío Cano Bevia (Sevilla, 1991) Afincada actualmente en Madrid, Rocío Cano Bevia nació en Sevilla (Andalucía) y se crió gran parte de su vida en el barrio sevillano de Triana. De profesión creativa y diseñadora gráfica, crea un vínculo con el arte de la mano con el desarrollo artístico desde los inicios de carrera. Graduada por la Universidad de Sevilla en Bellas Artes, y con formación por la Escuela de Arte de Sevilla en Gráfica Publicitaria. Actualmente cursa el Máster Universitario de Investigación en Arte y Creación por la Universidad Complutense de Madrid. Con una clara inclinación por prácticas pluridisciplinares muy vinculadas al pensamiento teórico relacionada con la sociología. Bevia desarrolla una investigación basada en los objetos y la relación con los sujetos dentro del plano de lo cultural y emocional. SOBRE LA MESA // DE FUERA HACIA DENTRO SOBRE LA MESA (imagen superior) (2018) Escultura (Reproducción en Silicona) / Instalación sobre planchas de metacrilato. 2 elementos de 31 × 46 cm DE FUERA HACIA DENTRO (imágenes inferior y derecha) (2018) Fotografía y pieza escultórica Fotografía: 28 × 50 cm / Pieza/caja: 26,5 × 33 × 121 cm 33 34 Juan Doz Esta pieza interactiva se sitúa en la experiencia visual dada por dibujo en pantalla (o pro- yección) generado mediante el deslizamiento del ratón por el usuario. Hago una simbio- sis entre los conocidos mandalas y el garabato, ambos de orden introspectivo. El garabato es en sí mismo un gesto, una desconexión con el consciente que, por ende, induce al azar. He querido jugar con la idea de garabato, remontándome a aquellos que hacíamos utilizando un software de dibujo por primera vez, dándole un camino más atractivo mediante simetrías en el sistema cartesiano, ocultando el desorden. El color de relleno translúcido cambia conforme se desliza a distintos grados por el sistema de color HSB, creando efectos de mezclas por superposición, dejando estelas como si de una vidriera se tratase. Juan Dios Carrasco Ramírez -Juan Doz- (Málaga, 1991) Desde muy temprano, entra en contacto con las artes, principalmente de la pintura, en el taller de Fernando Alea. En 2007, tiene lugar su primera exposición individual, en Marbella, de carácter paisajístico. Más tarde, accede y finaliza sus estudios de Bellas artes en la UCM y cursa el Máster en Investigación en Arte y Creación en la misma. Actualmente, realiza proyectos siguiendo ramificaciones de distintas disciplinas artísticas, como la pintura, la fotografía o los medios interactivos. Su trabajo se enfoca en lo orgánico, sea entendido como natural, en forma o concepto. También investiga sobre nuevos materiales y técnicas no convencionales en pintura. Contacto: juandoz@outlook.es GARABATO GARABATO (2018) Proyección. Obra de entorno interactivo a partir de código programable ejecutado con Processing. Interacción: Deslizar el cubo, pulsar botón para empezar de cero. Dimensiones variables, 150 x 150 cm 35 36 Marta Galindo García La era posdigital ha domesticado la mirada del espectador distribuyendo material audiovi- sual de poca densidad y de rápido consumo. La anarquía y deriva del medio digital son un claro reflejo de la sociedad capitalista posmoderna en la que vivimos: los flujos antojadi- zos de la red modifican y crean una imagen editada, formateada, subtitulada... Es decir, un imaginario común “dirigido” por la cultura remix. Esta democratización de la imagen sin filtro implica la mezcla absoluta de alta y baja cultura: la cultura trash jamás ha tenido tan- tas facilidades de ejecución y propagación. Además, internet, como otro integrante más de los medios de comunicación, presenta todos lo síntomas del espectáculo y la simula- ción en su máxima expresión: todo es virtual. Ante esta desconcertante realidad, la ironía parece presentarse como una de las estrategias que mejor mitigan la angustia, ansiedad y absurdo posmoderno. Cádiz, 1993 Grado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Facultad de Bellas Artes (Sevilla, 2013-2016) Marta Galindo García (Cádiz, 1993) Grado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Facultad de Bellas Artes (Sevi- lla, 2013-2016); Beca Erasmus en De Montfort University en BA (Hons) Fine Arts (Leicester, UK, 2015-2016); Residen- cia Beca para jóvenes creadores en la Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2016-2017); Máster en Investigación Artística y Creación, en la Universidad Complutense (Madrid, 2017-2018) Exposición individual: “En la intemperie de la imagen”, La Puerta Gótica (Pamplona, 2017) Exposiciones colectivas: Algo más Alegre V, en Esto antes era campo (Madrid, 2018); Certamen Nacional de Arte Contemporáneo “Ciudad de Utrera” (Sevilla, 2018); Las 11 condiciones, en Universidad Complutense de Madrid (Madrid, 2018); Neighbours IV, en CAC de Málaga (Málaga, 2018); KAK, en Estudio La Bañera (Sevilla, 2018); Algo más alegre IV, en residencia particular (Sevilla, 2017); XV Promoción, en Sala Santa Inés (Sevilla, 2017) y en Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2017); Frontera Sensible, en MAD Antequera (Málaga, 2017); Flashes, en Centro Cultural, La Carolina (Jaén, 2016); Fine Art Degree Show, en De Montfort University (Reino Unido, 2016); Certamen Nacional de Arte Contemporá- neo “Ciudad de Utrera” (Sevilla, 2016); Certamen Nacional de Artes Plásticas, en CICUS (Sevilla, 2016) THE MILKY WAY // VOCÊ MERECE UM ALÍVIO THE MILKY WAY (2018) Óleo sobre papel 95 x 98 cm VOCÊ MERECE UM ALIVIO (2018) Óleo sobre papel 115 x 79 cm 37 38 María Gárgoles Navas Una vista desde gran altura es irresistible, en cierto modo está relacionada con el sueño de volar así como de descubrir el planeta donde habitamos. Los vehículos aéreos no tri- pulados han entrado como ojos en el cielo y han supuesto el comienzo de nuevas formas de hipermetropía. En una sociedad de lo ligero, nuestra información está expuesta y disponemos de medios capaces de generar imágenes desde las alturas. Así, partiendo de los datos generados por imágenes aéreas, podemos generar modelos tridimensionales, gestionar y visualizar los datos de unas cartografías basadas en la territorialidad. María Gárgoles Navas (Madrid, 1995) Graduada en Bellas Artes ha realizado el Máster en Investigación en Arte y Creación de la UCM en el que ha sido beneficiaria de la Beca de excelencia UCM y becaria de colaboración del MECD en la sección departamental de Historia del Arte III. Anteriormente fue becaria de formación práctica en el Instituto Complutense de Estudios Internacionales (ICEI) en la UCM, becada por el Danish Cultural Institute dentro del progra- ma cultural del gobierno Danés y ha sido invitada a los Desayunos de mujeres líderes y potenciales líderes com- plutenses. Además, es educadora en el Museo Reina Sofía en talleres educativos enfocados a público joven, donde también ha colaborado durante cuatro años en el proyecto educativo Equipo. Su trabajo artístico ha podido verse en el COAM, Galería Valverde, UCM y Palacio Ducal de Medinaceli, entre otros. EXPORT EXPORT (2018) Impresión digital Tres piezas de una instalación de ocho. Conjunto: 130 × 90 cm EXPORT (2018) Impresión digital 3D 40 × 31 × 5 cm 39 40 Diego Armando Hernández Cuervo Reflejar las pasiones en forma de pintura, versos que son el impulso de un sentimiento melancólico. La manifestación de estar presente, de existir y dejar un rastro en este lugar. Reflexionar acerca del universo que queremos que nos rodee, los colores y las formas entrañables que nos poseen. Para así captar plenamente en medio del caos y el sin senti- do, el poder de percibir otros mundos también posibles. Diego Armando Hernández Cuervo (Bogotá, 1985) He estudiado la licenciatura de Bellas Artes, especialidad en artes plásticas en la Universidad Complutense de Madrid. Ces Felipe II, Aranjuez en 2013. Compaginando simultá- neamente estudios de Grabado y Diseño gráfico en la Real Casa de la Moneda y Timbre de 2008 a 2013. He realizado en los últimos años proyectos expositivos en Centro cultural Galileo, a través de La Galería de Magdalena en Galería Liebre y más recientemente en Galería Brita Prinz, en Madrid. Durante varios años he impartido talleres de pintura creativa y experimentado los procesos multidisciplinares del taller, a través de la exploración musical, el video y la escultura. En el último año académico he desarrollado trabajos de ilustración para Revista de Occidente y he enfo- cado mi producción pictórica de forma independiente al mismo tiempo que he cursado el Master de investigación en arte y creación en la facultad de artes de la Universidad Complutense. MOBILIARIOS DE UN TIEMPO PASADO MOBILIARIOS DE UN TIEMPO PASADO (2018) Óleo sobre papel y objetos Dimensiones variables 41 42 Marina Holguín Radigales Taxonomía del paisaje. La huella que dejamos en el medio físico es la misma que la propia naturaleza ha ido depositando en sus tiempos cíclicos. La infinitud del territorio que habitamos inspira formas ilimitadas que nos son familiares, cercanas y, en muchas oca- siones, no dependen de nosotros. El paisaje rural es la prueba de cómo nos adaptamos a una superficie, la explotamos y manipulamos su morfología; alteramos su ADN. En un vínculo con la naturaleza, es el ser social quien inicia la memoria de un lugar conectado a las vidas de quienes lo habitan. Marina Holguín Radigales. Estudios artísticos: Agosto 2018. Beca de Residencia de Verano Universidad Compluten- se de Madrid; 2017/Actualidad. Máster en Investigación en Arte y Creación. Universidad Complutense de Madrid; Febrero 2018. Curso de encuadernación; 2013/2017. Grado en Bellas Artes. Universidad Complutense de Madrid. Exposiciones y premios: Agosto 2018. Permio Adquisición Printura Universidad Complutense de Madrid. Beca de Residencia de Verano UCM; Junio 2018. Exposición colectiva. Espacio Esto antes era campo. (Madrid); Mayo 2018. Exposición colectiva Las 11 Condiciones. Universidad Complutense Facultad de Bellas Artes; Abril 2018. Exposi- ción colectiva XXV Muestra Internacional y Multidisciplinar de Arte Contemporáneo. Fundación Claret (Barcelona); Noviembre 2017. Exposición colectiva Valduero con las Bellas Artes. Universidad Complutense (Madrid); Noviembre 2017. Exposición colectiva. Colectiva Contemporánea. Galería Abartium (Barcelona); Diciembre 2016. Colaboración para el diseño de prendas con Les Affluents, ganadores de la Fashionpreneurs UC3M (Madrid); Junio 2016. Exposi- ción colectiva Ventanas Emergentes. COLECTIVO 10’ (Madrid). TAXONOMÍA DEL PAISAJE MUESTRAS DEL SUELO. EL TALLER (2018) Cianotipia sobre papel japonés Cuatro piezas de 30 x 45 cm cada una REALTOS DE LA EXPERIENCIA (2018) Cianotipia sobre tela Once piezas de 25 x 25 cm cada una 43 44 Salvador Jiménez-Donaire Martínez El presente trabajo cuestiona la pausa y la desaceleración del tiempo como vía de escape a la inmediatez, la saturación y el cansancio de las sociedades actuales. A lo largo de la investigación realizada, reconociendo que la nuestra es una so- ciedad cargada excesivamente de información e imágenes, hemos pretendido examinar la potencialidad del hacer lento y la mirada reposada como agentes necesarios para la producción de conocimiento. Salvador Jiménez-Donaire (Sevilla, 1994) es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, donde recibe el Premio Extraordinario Fin de Carrera. En esta facultad obtiene también una Beca de Colaboración en el Depar- tamento de Dibujo por el Ministerio de Educación y Cultura español, y participa además como alumno interno en los departamentos de Pintura y Escultura e Historia. En 2017 obtiene el Premio Real Maestranza de Caballería de Sevilla en reconocimiento al rendimiento académico. Durante el curso 2016-2017 obtuvo una beca de residencia en la Fundación Antonio Gala (Córdoba), donde ha parti- cipado en una exposición colectiva que fue también llevada a la Sala Santa Inés, Espacio Iniciarte (Sevilla). Durante el Máster en Investigación y Creación de la Universidad Complutense de Madrid le ha sido concedida una Beca a la Excelencia UCM. S/T SIN TÍTULO (2018) Cuadernos (3), 48 páginas (cada uno) 21 x14,5 cm Grafito sobre papel SIN TÍTULO (2018) Vídeo monocanal, color, sonido. 11’ 03’’ 4 Fotogramas 45 46 David Llorente Sanz Somos máquinas de postguerra, máquinas del trans-amor, máquinas revolucionarias trans-actualizadas. La aparente pero engañosa cercanía con la que el arte se presenta en una sociedad tan globalizada que nos lleva a re-pensar y re-inventar nuevas formas de intercomunicación y acercamiento social con el arte. David Llorente Sanz..Pintor y escultor madrileño, graduado en Bellas artes UCM con Premio Extraordinario. Actualmente cursa un Máster de investigación artística y creación MIAC con Beca de Excelencia en donde está dedicado especialmente a las nuevas tecnologías e instalaciones. Ha participado en la feria de arte contempo- ráneo JustMadrid y en exposiciones colectivas como el 78 Salón de Otoño que se realiza en la Casa de Vacas del Retiro y que organiza la Asociación Española de pintores y escultores AEPE donde obtuvo el Premio Caja Madrid al Talento Joven. Ha colaborado y colabora en distintos proyectos y propuestas organizadas por la UCM donde ha ganado diversos premios. SUCESIÓN ÁUREA // LÍNEAS DE EXPRESIÓN. GEOMETRÍA ENTRELAZADA LÍNEAS DE EXPRESIÓN. GEOMETRÍA ENTRELAZADA (2017) Papel. Polvo de carboncillo y aerógrafo con máquina de control numérico CNC 50 × 70 cm SUCESIÓN ÁUREA (2018) Hierro esmaltado industrial rosa RAL-4003 70 x 60 x 70 cm 47 48 Antonio José López Espinosa Registro de experiencias, resiliencia de sentidos, heridas humanas vestidas de oro. La cicatriz testigo en la piel que construye una identidad marcada por la memoria latente en una vida presente. “El oro que te viste” es el título que enmarca este conjunto de obras que utilizan referencias técnicas basadas en el enaltecimiento del objeto de valor y el cuerpo como contenedor de vivencias. Antonio José López Espinosa (Murcia, 1994) Comencé mis estudios artísticos con el Bachiller de Artes Plásticas y Diseño en Murcia. Desde entonces descubrí la escultura, mi género predilecto y que me llevaría a seguir formán- dome en el Grado Superior en Artes y Técnicas aplicadas a la Escultura en la Escuela de Arte de Murcia (2014). A su vez, cursaba el Grado en Bellas Artes en la Universidad de Murcia (2016). Actualmente, estoy finalizando mis estudios en el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid (2018). Desde que comencé mi trayectoria artística la interpretación el cuerpo ha sido una temática constante. Mi obra parte de una narrativa de emociones, sentimientos y experiencias, casi siempre desde una connotación negativa o adversa, dándose lugar una rotura de los espacios del cuerpo quedando enaltecida su condición frágil. EL ORO QUE TE VISTE EL ORO QUE TE VISTE (2018) Instalación escultórica. Escayola y resina Dimensiones variables 49 50 Antonio José López Fernández Este proyecto de investigación consistió en reivindicar las relaciones directas con el entor- no natural y el medio rural por medio de la trashumancia, como estilo de vida. La acción cotidiana y primaria del caminar y el habitar nómada, como práctica estética y de resisten- cia, permitió conocer el territorio y el entorno desde una perspectiva íntima y personal, así como reflexionar sobre los efectos y factores relevantes e influyentes que condicionan en la construcción, lectura e interpretación del paisaje. Nuestra percepción. Finalmente, esto concluyó en la creación del proyecto audiovisual Trashumancia. Diálogos a través del paisaje, donde se narra la exploración e indagación en la sensoriali- dad del espacio y las emociones, a partir de las distintas interacciones con el entorno; y en la serie de Postales Geografía sensorial de la resistencia. Antonio José López Fernández. Graduado en Bellas Artes (2011-2015) por la Universidad de Granada. Cursó el Más- ter de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid (2016-2018). Durante su formación ha participado en talleres con artistas como Rogelio López Cuenca e Isidoro Valcárcel Medina, así como en diferentes proyectos (colectivos e individuales) que le han llevado poco a poco a desarrollar una línea de investigación y producción artística enfocada hacia el arte contextual y relacional con el paisaje; la naturaleza o el medio rural, realizando proyectos de intervención en el entorno, basados en experiencias personales y cotidianas. Actualmente, como promotor, codirige y gestiona el proyecto de Encuentros de Arte y Residencia Artística El Cortijo (2014-Actualidad). GEOGRAFÍA SENSORIAL DE LA RESISTENCIA. LA PERCEPCIÓN Y CONSTRUCCIÓN DEL PAISAJE A TRAVÉS DE LA TRANSHUMANCIA GEOGRAFÍA SENSORIAL DE LA RESISTENCIA (2018) Serie de 80 tarjetas postales. Impresión sobre cartulina DIVA 300 gr. Mate 105 x 148 mm. TRANSHUMANCIA. DIÁLOGOS A TRAVÉS DEL PAISAJE (2018) Videoinstalación. HD Video. 16:9. Estéreo. Duración: 22’ 11’’. Ed. Adobe DVCPRO HD 51 52 Silvia Carmen López Rebollo La propuesta Tránsito Verde se concibe como consecuencia del cambio de paradigma en el Ecoarte sostenible contemporáneo. El arte representacional más tradicional se trans- forma hacia el arte procesual transdisciplinar. El proyecto consiste en construir, docu- mentar, observar y reflexionar sobre cómo los organismos vivos escondidos dentro de los soportes utilizados, crecen mientras las representaciones pintadas se diluyen con el agua mientras se riegan los cuadros. Los brotes, como herramientas rehabilitadoras invaden las figuras, abriéndolas y desfragmentándolas. Pequeños espacios dedicados al arte eco- logista activista, donde los organismos vegetales vivos se abren camino y reivindican su sitio en el arte ecológico procesual actual. Silvia C. López Rebollo (Madrid, 1980) Ya desde su niñez siente inquietud por el arte y la naturaleza. Se forma en la Universidad Complutense de Madrid donde cursa la licenciatura de Bellas Artes. Antes de finalizarla, obtiene una beca erasmus en Wimbledon School of Arts, Londres (Reino Unido), donde profundiza en estudios sobre la repre- sentación estética y formal del entorno a través de la pintura, la fotografía y el diseño. La versatilidad disciplinar aprendida se formaliza, en una serie de proyectos pictóricos expuestos en Affordable Art Fair en Nueva York, Room Art Fair en Madrid, Art International Zurich o Premio Ibercaja Pintura Joven en el Museo Ibercaja Camón Aznar en Zaragoza, entre otros. En 2018 finaliza el Máster en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid ofreciendo su visión de las relaciones entre el arte, la ecología y la sostenibilidad creando obras procesuales transdisciplinares con organismos vegetales vivos. TRÁNSITO VERDE TRÁNSITO VERDE I (2018) Organismo vegetal vivo con madera y arpillera 33 x 33 cm TRÁNSITO VERDE I - MACRO-NATURALEZA (2018) Organismo vegetal vivo con madera y arpillera 33 x 33 cm 53 54 Cristina Marote Martín 20 Dulces del Mundo es un proyecto artístico en el que se produce una simbiosis entre el mundo de lo analógico y lo digital. Se mezcla el fotograbado con el linóleo, y la estampa- ción tradicional con tipos móviles con las imágenes creadas con Photoshop, dando como resultado un libro de artista en el que todo suma y en el que nada destaca, en el que todo tiene su hueco, y nada sobra. El Olivo surge como proyecto artístico en el que se aúna el amor por la naturaleza, los tipos móviles de la imprenta antigua y las técnicas de grabado y encuadernación. Dicha idea se materializa con un pequeño libro de artista que recoge el registro que las hojas dejan en el papel al ser sometidas a presión, creando una huella para la simple con- templación de lo que de manera habitual nos pasa desapercibido. Además, este libro se complementa con dos pequeñas cajas que muestran la palabra EL OLIVO compuesta con los tipos móviles de plomo y de madera. Cristina Marote Martín. Aunque en un principio no fui muy amante de los libros acabé licenciándome en varias titu- laciones siendo la última la Licenciatura en Bellas Artes (Facultad Complutense de Madrid, 2011). Entre mis cono- cimientos, acaparo un gran bagaje en el campo de la salud y he enriquecido y alimentado muchos de mis proyectos artísticos por toda esa savia de conocimientos y problemáticas de las que soy conocedora. Actualmente, realizo el Máster en Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid. Y he realizado trabajos en áreas plásticas como el grabado, la escultura y la fotografía, siendo seleccionada en nume- rosos certámenes, principalmente en la disciplina de grabado en sus diferentes expresiones y en combinación con otras técnicas. Con dicha maleta de viaje me considero una mujer, del tiempo que la ha tocado vivir, y una artista, transdisciplinar, que vive con gran entusiasmo sus dos grandes pasiones: el arte de crear y el arte de cuidar. 20 DULCES DEL MUNDO // EL OLIVO 20 DULCES DEL MUNDO (2015) Técnica mixta. Fotograbado en hueco y en relieve, grabado en relieve y técnicas de encuadernación. 20 × 20 × 6 cm EL OLIVO (2017) Caja 1: 11,9 × 9,2 × 4,1 cm / Caja 2: 9,8 × 4,2 × 3,8 cm / Caja 3: 5,8 × 4,8 × 3,3 cm Técnica mixta. Gofrado y técnicas de encuadernación. 55 56 Hamilton Eder Mestizo Reyes Directamente vinculadas a los contenidos de varias de las clases, se han realizado esta serie de obras artísticas desde un campo reflexivo y experimental en temas relacionados con la ciencia y la tecnología. Para esto se usó tecnologías de software y hardware de código abierto vinculado a técnicas y materiales tradicionales des las bellas artes, lo cual derivó en una exploración conceptual y formal que llevó al desarrollo de estas propuestas desde la electrónica, la pintura, la fotografía y la escultura. Hamilton Eder Mestizo Reyes. Mi trabajo explora principalmente la interrelación de las artes, la ciencia, la tecnología y sus implicaciones críticas, ecológicas y socio-culturales. En la última década he combinado mi práctica artística con la educación y la investigación centrada en el desarrollo de hardware de código abierto, la cultura DIY-DIWO, los nuevos medios y la biotecnología. PANTALLAS (OBSOLETOS) // BIO-REACTOR OSH DÍPTICO PANTALLAS (OBSOLETOS) (2018) PAUSA II Pintura acrílica, electrónica. 41 × 33 cm SNAKE UNINTELLIGENT AGENT Pintura acrílica, electrónica. 35 × 27 cm BIOREACTOR OSH (2018) Pieza escultórica. Cerámica, electrónica 25 × 33 × 15 cm 57 58 Idoia Ortega Rodríguez A propósito del paisaje es un análisis conceptual sobre la ficcionalización del paisaje en par- ques y jardines urbanos. Construida a través de la recopilación de varias imágenes de estos territorios, que nos permite indagar en las interpretaciones que se hace de los originales paisajes naturales en estos nuevos espacios de las ciudades contemporáneas. Estos lugares públicos controlados, tienen la capacidad de influir en el pensamiento so- cial, puesto que al estar preservados, carecen de toda alteración humana. Es por esto que corremos el riesgo de que el territorio natural nos defraude, al no asemejarse al cliché que estos espacios nos proporcionan. Arquitectura del paisaje es una serie fotográfica que parte de la elaboración previa de una escenografía que representa un bosque inerte, que es llevado a la vida a través de recursos digitales. A diferencia del paisaje natural, este está construido por el hombre, no es efímero ni caduco, no cambia con la luz del sol ni con las inclemencias del tiempo. Al ser artificial, no se marchita. Congelado, podemos reproducirlo a nuestro antojo, como una posesión, que conquistada, nos satisface con el mero hecho de observarla. Idoia Ortega Rodríguez. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, complete mi for- mación académica al estudia el Master de Fotografía Digital en el Centro Internacional de Fotografía y Cine EFTI. Actualmente estudio el Máster de Investigación en Arte y Creación, en la Universidad Complutense de Madrid. Mi formación ha sido apoyada a través de la Beca de Formación Artística Fundación Botín, y Beca Fundación Casa de la Moneda. He participado en numerosas exposiciones colectivas en las que cabe destaca el Festival de arte emergente Fran- queados-JustMAD 2017, y Gabinete Open Porfolio, Feria internacional del Dibujo y de la Estampa, Real Academia de Bellas Artes de Madrid 2017 y Master Printmaking 2018, en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes. Mi obra forma parte de colecciones como Gabinete Open Porfolio, Patrimonio y Fondo Artístico, Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y Biblioteca Nacional, departamento de Obra Gráfica. A PROPÓSITO DEL PAISAJE // ARQUITECTURA DEL PAISAJE A PROPÓSITO DEL PAISAJE (arriba) (2018) Impresión digital con tintas pigmentadas 100 × 70 cm ARQUITECTURA DEL PAISAJE (2017) Impresión digital con tintas pigmentadas y escultura 50 × 33 y 20 × 25 cm 59 60 Pedro Palleiro Sánchez Las categorías en las que el arte se desarrolla en las últimas décadas son ámbitos tan abiertos y flexibles que hacen que las distintas disciplinas estén más relacionadas que nunca. La pintura, la fotografía y la tecnología interrelacionan en un territorio expandido donde se borran los límites entre lo pictórico y lo fotográfico, lo analógico y lo digital, lo material y lo virtual. La tecnología digital desprende a la pintura de todas aquellas referen- cias que la asocian con la impronta del artista, subvirtiendo así el proceso pictórico tradi- cional y subrayando las ideas de industrialización como factura. Pedro Palleiro Sánchez (A Coruña, 1977) Pedro Palleiro es graduado en Diseño Gráfico por la Escola Superior de Arte e Deseño Pablo Picasso de A Coruña, graduado en Trabajo Social por la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED), maestría en Formación del Profesorado de Educación Secundaria Obligatoria, Bachillerato y Formación Profesional por la UNED y maestría en Investigación en Arte y Creación por la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Gran defensor del arte como mecanismo para el cambio personal y social, Palleiro considera la creatividad como un valioso recurso para la innovación y el aprendizaje. Este entusiasmo le ha llevado a realizar estudios de Doctorado en la UCM, especializándose en el uso de las nuevas tecnologías aplicadas a la educación. Su trabajo más reciente se centra en las posibilidades que ofrecen las tecnologías digitales para la creación y cons- trucción de imágenes abstractas. A través de un discurso propio, Pedro Palleiro desarrolla nuevas propuestas en torno a la pintura abstracta contemporánea, ampliando su definición en cuanto al referente, al proceso, al soporte y a la artisticidad. S/T - Ventana # 10 (2018) : Impresión digital sobre vinilo brillante | Panel Forex de 3 mm de espesor 75 x 95 cm S/T S/T - Ventana # 20 (2018) Impresión digital sobre vinilo brillante | Panel Forex de 3 mm de espesor 75 x 95 cm 61 62 René Roosvelth Peña Salazar Naves. el tercer viaje de retorno. Recorrimos los distritos con mayor presencia de población foránea en la ciudad de Madrid, para identificar los negocios de gastronomía Latinoameri- cana. Encontramos que los negocios orientados al público inmigrante, han reconfigurado por completo la imagen y el carácter del tejido urbano en la capital del que, hasta mediados del siglo XX, fue territorio emisor de migración. Los barquitos confeccionados con los flyers publicitarios de los restaurantes, cafeterías, panaderías, colmados; ilustran el desembarco de una nueva aportación americana a España, que esta vez viene con los inmigrantes. Ecupan: historia de un palimpsesto. Buscamos reconstruir la genealogía de una de las pri- meras iniciativas de negocio exitosas, de un personaje subalterno: un inmigrante que llegó a Madrid con la oleada inmigratoria ecuatoriana de finales del siglo pasado. Se localizó la ubicación de las tiendas de la franquicia, para retratar sus fachadas y para, mediante conver- saciones con los propietarios, recopilar más información tendiente a completar la historia de lo que consideramos es un palimpsesto, una huella que se niega a desaparecer. René Roosvelth Peña Salazar. Licenciado en Ciencias de la Educación, mención Artes Plásticas por la Universidad Técnica Particular de Loja, Ecuador (1989-1993); Magister en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas (2001-2002); Master en Inves- tigación y Creación en Arte (MIAC) (2016-2018) Cuento con exposiciones en Ecuador: Exposición individual en Casa de la Cultura de Loja” (1993), exposición individual en el Municipio de Catamayo-Ecuador (1996); y en Madrid: exposición Colectiva Fin de Master UCM (2002) exposición Colectiva “Madrid entre dos Orillas” IFEMA (2007), exposición Colectiva en el Centro Hispano-Ecuatoriano de Madrid (2008). En mis inicios mi hacer artístico se centraba en las prácticas pictóricas con un enfoque en la exploración del color y sus posibilidades expresivas. Mi experiencia migratoria a partir de 1997 ha condicionado, por una parte, mi dedicación de forma es- porádica al arte y, por otra, ha determinado mis intereses exploratorios que desde mi primera experiencia en UCM, se han centrado en la reflexión en torno a la migración, y a la experimentación con otras formas de expresión artística como la instalación. El MIAC me ha servido para reintegrarme al mundo del arte y ha dado pié a mi participación en el proyecto de campamentos urbanos de verano organizado por la Embajada de Ecuador y la Comunidad de Madrid: “Un verano entre Culturas”. NAVES. EL TERCER VIAJE DE RETORNO // ECUAPAN: HISTORIA DE UN PALIMPSESTO NAVES;. EL TERCER VIAJE DE RETORNO (arriba)(2018) Instalación de suelo 200 x 150 cm ECUAPAN. HISTORIA DE UN PALIMPSESTO (2018) Montaje fotográfico. Cada pieza 26 x 21 cm, dimensión total 200 x 100 cm 63 64 Juan José Posada Jiménez Time is money. Este performance delegado es una reflexión sobre la traducción del tiempo en dinero y del dinero en tiempo. El trabajador produce monedas de arena que al acumularse se desploman convirtiendo, la actividad en un trabajo cíclico interminable. Sísifo I. La idea clásica del monumento, no solamente erige una simbología conmemorati- va, sino que es además una muestra del poder a través de un elemento simbólico. Es una representación de las instituciones, de los gobiernos, del poder ejercido sobre el individuo. Utilizando la idea de la resistencia como principal virtud de los trabajadores, se contrata a un boxeador amateur para luchar contra una estatua. Durante el combate, 10 rounds de 3 min cada uno, el boxeador busca atacar a la estatua en su mayor efecto, sin perder de vista el lógico resultado, el desgaste del luchador y la inmutabilidad de la estatua. Monumento al trabajo, toma como metodología la iconoclasia, para derrumbar la imagen del trabajador; aquel que ha sido derrumbado por las lógicas del trabajo. Se contrató a un artista callejero que trabaja como estatua humana para realizar un performance de 3 horas en las cuales debía permanecer tumbado en el suelo. Las indicaciones fueron simples: Su posición debía asemejarse a aquella de una estatua derribada y su vestuario debía ser de un trabajador. La tarifa pagada se determinó calculando el promedio por hora de su trabajo en la calle, 10€. Juan José Posada Jiménez (1990) Artista colombiano. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Durante el MIAC su investigación se desarrolló sobre las lógicas del trabajo, el absurdo y performance. Su obra ha sido expuesta en galerías, ferias y espacios autogestionados en Bogotá y Madrid. TIME IS MONEY // SÍSIFO I // MONUMENTO AL TRABAJO SÍSIFO I (2018) Video/Performance Video de 1080 x 608 px - 7 min MONUMENTO AL TRABAJO (2018) Video/Performance Video de 1080 x 608 px - 15 min TIME IS MONEY (arriba) (2018) Video/Performance Video de 1080 x 608 px 65 66 María Rivera Moreno Trato de la exploración de las relaciones que mantienen el hombre/SER HUMANO con su tierra/CASA/naturaleza. Dentro de la atmósfera (pre)apocalíptica en la que nos vemos su- mergidos actualmente, cuando el futuro se desdibuja. Infectados hasta las raíces, con pró- tesis de plásticos, intento encontrar un lazo de unión, una comunión entre la madre tierra y su prole. Un trayecto que se adentra en parajes enfermizos, surcando los ríos ya secos del abandono y el vacío, para atracar en el puerto del mañana, en un futuro en ruinas. María Rivera Moreno (Huelva, 1986) Hija de un reconocido pintor y escultor onubense, Paco Rivera. Su infancia estu- vo marcada por la influencia del estudio de pintura de este. Pasó su juventud formándose en la academia ARTE2, de la que era director su padre. Se interesa enseguida por el dibujo y la representación de la figura humana. Graduada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid en 2017. Actualmente, cursando el Master en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Su obra se centra en la pintura y el dibujo, sin desvincularse de otras disciplinas como la instalación o el videoarte. COSAS / CASAS COSAS / CASAS (2018) Medidas variables Fotografía COSAS / CASAS (2018) Grafito sobre tabla, pintura, objetos Medidas variables 67 68 Julia Sánchez Barba El Libro-Arte Epígrafes contiene titulares y noticias que versan sobre pactos y alianzas, derrotas y victorias, destrucción y reconstrucción, procesos por crímenes de guerra…, cuyo contenido remite a los acontecimientos violentos que se produjeron durante y después de La Segunda Guerra Mundial. La frase dicha por Theodor Adorno “Después de Auschwitz…no puede haber poesía” (traducción literal: “Después de Auschwitz, solo queda la barbarie”), es conceptualmente el centro del proyecto, pretende sintetizar el tema, envuelve la obra. El Foto-Libro Líneas y Grafías del Conflicto, surge en torno a los dibujos, pinturas y bocetos de artistas movilizados por la guerra, que inmersos en el conflicto plasman in situ lo que ven y actúan como corresponsales de guerra enviando sus trabajos a las redacciones. Las obras incluidas en el libro hacen una narración detallada de momentos y movimientos, de lo acaecido en el frente. Todos están firmados por sus autores, también sobre los dibujos se observan notas apresuradas, manuscritas que describen el escenario bélico. Julia Sánchez Barba. Formación académica: 2016 a 2018 Máster de Investigación en Arte y Creación; 2012 a 2016 Grado en Bellas Artes; 2009 a 2011 - Informática avanzada. Exposiciones colectivas de pintura: Año 2013: Exposición colectiva, arranques. Escultura. Espacio Trapecio; Año 2012 y año 2011: Exposición colectiva de pintura Centro Cultural Bohemios; Año 2010: Exposición colectiva de pintura Centro Sociocultural Santa Petronila. Contacto: https://plus.google.com/+JuliaSanchezBarba EPÍGRAFES // LÍNEAS Y GRAFÍAS DEL CONFLICTO EPÍGRAFES (DESPUÉS DE AUSCHWITZ NO PUEDE HABER POESÍA) (2017) Libro-arte: 30 × 21,5 cm; 40 páginas Cartel epígrafes: 56 × 20,5 cm LÍNEAS Y GRAFÍAS DEL CONFLICTO (VOLUMEN I) (2018) Foto-libro: 30 × 42 cm, 41 páginas Página interior desplegable: 30 × 80 cm 69 70 David San Francisco Reyes Desde los Fondos Grises u Homogéneos proponemos al espectador un momento de reflexión en el que se plantee preguntas acerca del paisaje social contemporáneo y su situación dentro del mismo. Desde las obras se busca representar estas superficies desde la metáfora del muro, con obras de carácter inconcluso que permitan al espectador rea- lizarse preguntas acerca de las celebraciones sociales rastreando los espacios liminares entre celebraciones con el fin último de ser productores de conocimiento. David San Francisco Reyes. Graduado por la Universidad de Salamanca en Bellas Artes y con el master de Investi- gación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid, es un artista plástico especializado en la inves- tigación de los lenguajes pictóricos abstractos y su capacidad de producción de conocimiento en el paisaje social contemporáneo. Actualmente centra su investigación artística en las celebraciones o rituales dados en la sociedad contemporánea y su representación en la pintura buscando alcanzar la producción de obras que interactúen con el público planteando preguntas y reflexiones al espectador. VUELTA A CASA I // RFLEXIONES SOBRE EL MEDIO TELEVISIVO I VUELTA A CASA I (2018) Collage con papel, óleo y esmalte sobre lienzo 146 x 97 cm REFLEXIONES SOBRE EL MEDIO TELEVISIVO I (2018) Collage con papel, óleo y esmalte sobre lienzo 146 x 97 cm 71 72 Irene Sanz Ortiz Esta muestra trata de enseñar alternativas sostenibles para la creación artística, ya que actualmente la producción masiva y sistematizada de los elementos para creación de obra se ha visto realmente afectada por la industria del comercio, derivando en grandes explotaciones de los recursos naturales y originando así el peligro de la ausencia de ma- teria prima de origen natural, por ello, es necesario replantearse el modelo de producción y buscar alternativas sostenibles, e intentar, en la medida de lo posible, concienciar a las generaciones venideras de que un nuevo tipo de arte, es posible. Irene Sanz Ortiz (Madrid, 1993) Estudió Bellas artes en la Universidad Complutense de Madrid donde actualmente se encuentra realizando el master de Investigación en Arte y Creación mientras trabaja en el estudio de los materiales para producción artística aplicada a la protección del medio ambiente. HUELLA CERO: LA INSDUSTRIALIZACIÓN DE LOS PROCE- DIMIENTOS ARTÍSTICOS Y SU IMPACTO ECOLÓGICO HUELLA CERO (2018) Fotografía. Diversos materiales naturales 73 74 Javier Mauricio Vanegas Torres La presente investigación se centra en el análisis de la muerte fotográfica como imagen materia en el cementerio. Esta reflexión esclarecerá la relación intrínseca entre la imagen muerte y la fotografía post mortem, además, cuestionará cómo la evolución del medio fotográfico ha tenido una considerable repercusión en la manera como nos relaciona- mos con la memoria. La investigación teórica plantea revisar el concepto “muerte” en su relación intrínseca con la imagen fotográfica, al evidenciar la transformación que va de la imagen fotoquímica, en su corporalidad y espacialidad, a la actual presencia predominan- te de la e-image. Transversal a la investigación teórica, se propone una obra de instalación titulada Ecos, compuesta por videos y fotografías de un diario visual elaborado durante los diez últimos años, constituido por fotografías post mortem ubicadas en lápidas, en diferentes cementerios del mundo. La investigación concluye con la reflexión sobre el concepto “imagen evanescente”, el cual cobija la idea de imagen muerte como residuo, en relación con la espectralidad e inmediatez de la fotografía electrónica. Javier Vanegas Torres (Bogotá, 1984) Estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes (Bogotá, Colombia); realizó el Máster de Investigación Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid con beca completa otor- gada por la Fundación Carolina en 2017. Su primera exposición individual 2007, fue en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), estuvo compuesta por su proyecto de grado Portarretrato Posmoderno. En 2014, expuso en el Museo de Arte Contemporáneo de Roma (MACRO), en el marco del Festival de Fotografía de Italia con su obra titulada AMPO y en el 2018 realizó su exposición individual titulada Tempus Fugit en el festival PhotoEspaña en la ciudad de Madrid. Es profesor del Departamento de Artes de la Universidad de los Andes, donde ofrece la asigna- tura de Fotografía Experimental; está a cargo de la asignatura Fotografía Artística, en la Universidad Jorge Tadeo Lozano, y Fotografía Avanzada en la Pontificia Universidad Javeriana. Es co-creador y directo desde 2015 del Salón Universitario de Fotografía, plataforma de difusión y visualización de las propuestas fotográficas que nacen en el ámbito de la educación superior en Colombia. Contacto: javiervanegasart@gmail.com; www.javiervanegas.com Página web portafolio: www.javiervanegas.com ECOS. LA MUERTE FOTOGRÁFICA COMO IMAGEN MATERIA EN EL CEMENTERIO ECOS. LA MUERTE FOTOGRÁFICA COMO IMAGEN MATERIA EN EL CEMENTERIO (2007 - 2018) Instalación. Sesenta fotografías 30 x 25 cm Algunos de sus elementos en páginas siguientes Javier Mauricio Vanegas Torres ha sido beneficiario de una Beca de posgrado de la Fundación Carolina. 75 76 77 78 Madrid, octubre de 2018 79 80